Opening, Thursday, March 21, 5 – 7 pm
Artist talk with MinHee Suh, 5.30 pm

전시 오프닝: 2024 년 3 월 21 일 (목) 오후 5 - 7 시
아티스트 토크: 루이자 갈리아르디 & 서민희: 오후 5 시 30 분

Galerie Eva Presenhuber is pleased to present an exhibition by Swiss artist Louisa Gagliardi, hosted by Taxa in Seoul. The exhibition marks the second solo exhibition with the gallery and her first exhibition in South Korea and features a suite of new paintings.

Although the work of Gagliardi has been mostly referred to as paintings – and indeed the artist produces them – it is accomplished through deftly surprising methods that stretch beyond the medium’s historically defined confines. In many ways characteristically pronouncing painting, the works paradoxically belie an unorthodox approach on their surface – evermore rarefied when considering the ubiquity of approaches to the genre which have come in abundance, particularly in recent years. While one might deduce expanded painting here – think Vivian Suter, Sam Gilliam, or Lynda Benglis – her background in graphic design is a vehicle through which her work turns corners, rather than a concern toward the sculptural per se.                     

Working digitally initially – using a freehand, digital illustration tool – Gagliardi’s pieces are later translated into the format, scale and other forms of performance that appear as undeniably associated with painting. Pigment and brushstrokes may well arise, though her works are primarily digitally printed. They replace paint for printing ink, canvas for PVC and traditional lacquer for a gel material – mediums that are perhaps more at home with the advertising industry than with the weighty history of painting.

Gagliardi’s use of industrial methods might suggest an affiliation with Pop and its direct aftermath, yet her pieces ensnare questions of image making to suggest issues not only bound to process, but also, and perhaps more importantly, the surreal and the liminal. They imbue a reverberating desolation where both the familiarity and dislocation of subjects are depicted in a ghostly presence, alighting, it seems, between diverging timelines.



갤러리 에바 프레젠후버(Galerie Eva Presenhuber)가 택사(Taxa) 서울 주최로 스위스 출신 작가 루이자 갈리아르디(Louisa Gagliardi)의 전시 <Hard Feelings>를 개최한다. 이번 전시는 본 갤러리와 루이자 갈리아르디의 두 번째 개인전이자 갈리아르디의 첫 번째 한국 전시로 새로운 회화 작품들을 선보일 예정이다.

갈리아르디의 작품은 대부분 회화로 불려 왔으며, 사실 회화를 제작하는 것이 맞지만, 역사적으로 정의된 매체의 한계를 뛰어넘는 영리함과 기발함이 돋보이는 기법으로 완성된다. 여러 면에서 두드러지는 회화적 특징과는 역설적으로 표면상 보이는 비정통적 접근법은 최근 수년간 이 장르에서 보편적으로 사용된 접근법을 감안할 때 더욱 희귀성을 가진다. 일부에서는 비비안 수터(Vivian Suter), 샘 길리엄(Sam Gilliam), 린다 벵글리스(Lynda Benglis)의 확장된 회화(expanded painting)를 떠올릴 수 있지만 갈리아르디의 작품을 차별화하는 도구는 조각 자체에 대한 관심보다 그래픽 디자인이라는 그녀의 배경에 있다.

초반에는 프리 핸드로 디지털 일러스트레이션 도구를 사용하여 디지털로 시작되는 그녀의 작품은 이후 회화와 연관성을 부인할 수 없는 형식과 스케일, 기타 형태의 퍼포먼스로 변모한다. 안료와 붓 터치가 선명하지만 대부분 디지털 프린팅이다. 물감은 인쇄 잉크로 캔버스는 PVC로 래커는 젤로 치환되어 유구한 역사의 회화보다 광고업계에서 더 친숙한 매체를 사용한다.

갈리아르디가 사용하는 산업적 방식은 팝아트나 관련 장르와의 연관성을 제시하지만 그녀의 작품은 이미지 메이킹이라는 의문에 천착하여 프로세스의 문제를 넘어 어쩌면 더 중요하다고 할 수 있는 초현실과 경계의 문제까지 파고든다. 대상의 친숙함과 이질감이 마치 서로 다른 시간대에 존재하는 환영처럼 묘사된 작품들은 공명하는 적막감을 자아낸다.

Paintings often contain figures that appear caught in a state between human and machine, mirroring the confused tone of the contexts we find them populating. Springing to mind here might be the propagating and dissemination of personas and identities, as propelled relentlessly via our seemingly unchained relationship with social media. Similarly, we might consider our relationships to environments, again as filtered through, and melded by our screen-based engagements.  

Slippages occur between figures and architecture and between presence and absence, and this apparent incongruity is reflected in the behaviour of subjects who appear to function roles but be entirely disengaged from them. Figures and subjects appear lost and passive, and they both emerge in and submerge into scenes of unresolve, illustrating the consequence, perhaps, of the dual perplexity of our own existence – online and offline. The constant drifting of characters, buildings, and objects in Gagliardi’s works indeed reflect our very own ambivalence toward experiences, informed, as they are, as much by being in person than through the physical distance of technology.  The works are littered with allusions to the propel of digital information, but they also heavily imply parallels with the enveloping and dreamlike aspects of film and cinema.

In earlier pieces we see a figure sitting at and reclining toward a glass desk situated in a vast red room, resembling the type of transitional space that might be found in a hotel or office. Elements of interior architecture suggests that the environment is internal, yet the ground is grassy, pointing to a reoccurring trope in her works wherein the urban blurs with the rural and vice versa. Other previous works distort scale to absurdity: monumental sized figures rest upon buildings and appear to be inspecting their feet, entirely unaware of their domineering presence. Transparent figures reoccur in many works with their spectral auras that move and operate between background and foreground.

The new paintings presented in the exhibition perpetuate many of the iconography of earlier pieces, though the roleplay of objects have become decidedly more vital, requiring further unravelling. A sleeper appears restful, yet the appearance of prescription medication forecasts a more troublesome state of being. A clock encased in ice recalls time’s dominance on our existence and our desires to emancipate from its associated pressures. The paintings here might seem to be directing toward still life, however closer inspection reveals the objects taking on an animated life of their own. Next to the medication is a key chain in the shape of a resting figure and beside the block of ice is a pool of melted water taking the shape of a hand – at once offering support and signifying potential crisis.

Indeed, Gagliardi’s practice attests to contemporary anxieties regarding our existence. Much of her work connotes a foreboding presence of digital occupation and its latent demands and pressures on selfhood. It operates caution to, and exposes the promise of, the onslaught of digitalized information. The type of data, as Gagliardi’s signals, that purports to connect us, but perhaps only succumbs to doing best in disengaging our relationships to one another and the world around us. 

(Adam Carr)


 

갈리아르디의 회화에 종종 등장하는 인간과 기계 사이에 갇힌 듯한 형상들은 그들이 존재하는 시대의 혼돈을 반영한다. 여기서 연상되는 것은 우리가 구속되지 않았다고 생각하는 소셜 미디어와의 관계에서 끊임없이 일어나는 페르소나와 아이덴티티의 전파와 확산이다. 스크린에 기반한 상호작용을 통해 여과되고 통합되는 환경과 우리의 관계도 동일선상에서 유추할 수 있다.

인물과 건축, 존재와 부재 사이에는 부조화가 발생한다. 이 명백한 부조화는 다양한 역할을 수행하는 것처럼 보이지만 사실은 역할과 완전히 분리된 대상들의 행동에 반영되어 있다. 인물과 대상들은 방향을 상실하고 수동적인 상태로 미완의 현장에 등장하여 일부가 된다. 이는 온라인과 오프라인이라는 존재의 이중적 혼란이 낳은 결과를 상징한다. 그녀의 작품에 등장하는 인물, 건물, 사물의 끝없는 표류는 테크놀로지의 물리적 거리보다 사람과 실제 대면하는 경험을 통해 더 많은 정보를 습득하는 우리의 양면성을 반영한다. 디지털 정보의 파급에 대한 암시가 가득한 그녀의 작품은 필름과 영화의 포괄적이고 몽환적인 측면도 강하게 내포한다.

이전 작품을 보면 호텔이나 오피스에 있을 법한 전이공간을 연상시키는 넓은 붉은색 방에 유리 데스크가 놓여 있고 한 인물이 앉아 있다. 실내건축의 요소는 이 환경이 실내임을 암시하지만 바닥은 잔디를 닮아 있다. 도시와 시골의 모호한 경계는 그녀의 작품에서 자주 등장하는 표현이다. 또 다른 작품에서는 스케일을 터무니없이 왜곡하여 만들어진 기념비 같은 인물이 빌딩 위에 앉아 자신의 압도적 존재감을 전혀 인식하지 못한 채 발을 만지작거리고 있다. 배경과 전경 사이를 오가며 오묘한 아우라를 만드는 투명한 형상들이 작품에 자주 등장한다.

이번 전시에서 선보이는 작품들은 기존의 도상학을 계승하고 있지만 오브제의 역할이 훨씬 중요해지면서 추가적인 설명을 요구한다. 잠자는 사람은 편안해 보이지만 그 옆에 보이는 처방약은 존재의 고통을 예고한다. 얼음 덩어리에 싸인 시계는 우리 존재에 대한 시간의 지배와 그로 인한 압박에서 벗어나고자 하는 인간의 욕망을 연상시킨다. 이 작품들은 정물을 표현한 것 같지만 자세히 들여다보면 오브제마다 생명력을 갖고 있다. 약 옆에 놓인 열쇠고리는 휴식 중인 사람의 모양을 하고 있으며 얼음 덩어리가 남긴 손 자국은 도움의 손길인 동시에 잠재적 위기를 상징한다.

갈리아르디의 작업은 현대인의 존재에 대한 불안을 대변한다. 작품 대부분이 디지털 시대의 불안한 현실, 자아에 내재하는 요구와 압박을 암시한다. 또한 디지털화된 정보의 공세에 대한 경고와 함께 그 정보가 지닌 가능성을 제시한다. 아티스트의 상징을 보며 우리를 연결시킨다고 주장하는 데이터가 어쩌면 사람과 사람의 관계, 우리와 주변 세계와의 관계를 단절시키는 데만 최선을 다하고 있는 건 아닌지 생각해 본다. 

아담 카(Adam Carr)

Louisa Gagliardi’s images, emerging from elementary sketches, digital remixes, Photoshop, and applied glosses, resound with a striking presentness. Through material exploration, she expresses a being-in-the-world that aligns with the present day integration of virtuality into physicality. This bizarre digital filtration system, where people become aggregates of technological interfaces, is the terrain in which Gagliardi composes her pictures. – Reilly Davidson (2023) 

In most of my paintings, the figures appear stoic and passive to their surroundings and to one another. In the group of paintings for Hard Feelings, the still-lifes give more—they are more alive than the characters. – Louisa Gagliardi (2024)